Aguarras

Há mais ou menos um ano Jay Vaquer lançou o cd Você não me conhece e emplacou nas rádios e na MTV o hit Cotidiano de um casal feliz. O tempo voou e o cantor divulga agora seu quarto cd, Formidável Mundo Cão, que merece um lugar em todas as listas de melhores do ano.

O cd se divide de forma equilibrada entre letras e melodias leves e pesadas. Para sorte dos fãs, Jay Vaquer segue apostando na qualidade e faz questão de fugir das velhas fórmulas desgastadas que vêm assombrando grupos mais antigos. Dos momentos românticos (sim, ainda é possível usar esse termo no Brasil sem se referir a músicas vazias que se apropriaram do verbete para usá-lo como gênero musical), um dos pontos altos é a faixa Por um pouco de paz, que traz alguma paridade melódica com o primeiro cd. “Cumpro a sentença / e compenso o que a cela limita / Peço licença de meu senso / e me faço visita / Me conto como está um antigo amigo inventado / Confesso a saudade de estar comigo ao meu lado / e tento cavar um túnel / que me leve de volta / a tudo que me prendeu”. Outro destaque é Nera, que merece atenção não só pelos bons arranjos (o cd é produzido por um time de primeira), mas também por metaforizar no amor a história de Nero, o imperador que supostamente incendiou Roma.

Quando o foco é o fogo verbal, as críticas vêm na forma de pequenas histórias, beirando os limites entre música e conto.

Longe Aqui, o primeiro single divulgado nas rádios e no myspace, conta a história de uma menina pressionada pela família a abandonar a namorada, abdicar de si mesma e encarnar personagens mais aceitáveis pela sociedade. “Tinha que engravidar, criar, envelhecer, morrer como todos esperavam/ Tinha que renunciar, agradar, obedecer, vencer, como todos desejavam/ Até que ela partiu/ Ela partiu pra bem longe/ Pra distante o bastante pra suportar”.

Breve conto de um velho babão é um dos grandes momentos rock do cd e explora ao máximo a potência vocal de Vaquer. “Chorava o leite derramado/tudo que havia conquistado / e no discurso decorado/tinha orgulho do passado / um passado que esquecia/toda vez que enlouquecia / se esfregando pelas raves doido de “E”.

Vale lembrar que as 12 faixas são assinadas pelo próprio Vaquer, que parece ser um dos poucos artistas do momento a refletir em sua música a realidade massacrante do país, estagnado diante das próprias mazelas. Tudo isso regado a muita ironia e rock’n’roll.

Para encerrar, a letra de Estrela de um Céu Nublado, provavelmente um dos hits de 2008. A música é um dueto com Meg Stock, vocalista do Luxúria (uma ótima banda da nova geração rock).

Decidiu que precisava ser alguém no mundo e não mais um na multidão
resolveu investir fundo nas aulas de interpretação
Foi morar no Rio de Janeiro, tiro certeiro pra tentar a sorte em Projacland
alugou um conjugado no catete
arrumou uma vaga de barman num bar descolado pra cacete
atores, modeletes, formadores de opinião
…wannabes de plantão
foi lá no balcão, que um assistente de direção da novela das 6 (6,6) lhe prometeu uma figuração talvez.
aí ele se animou, se empolgou, nem dormia mais! pobre rapaz
logo descobriu que o sujeito não era quem dizia ser
mas na verdade um ator desempregado, frustrado que tinha um blog pouco freqüentado…
e se sentia “só E mal acompanhado”

Nasceu pra ser uma estrela , era tudo que ele mais queria
mas o céu tava sempre nublado
Estrela que ninguém via e quando o dia amanhecia,
seu tempo já tinha passado

Conheceu Dora enquanto trabalhava no bar, servindo bebidas, ela soltando fumaça no ar
Perua desquitada que vivia da pensão do ex-marido, empresário falido que sofria de Síndrome de Dow Jones
E não é que a madame realmente tinha bons contatos em Projacland, isso foi levado em consideração
encarar a vovó podia ser a solução,
resolveu segurar o rojão
investiu naquela estranha relação
na tentação de ser famoso..
Dora resolveu que iria ajudar o garotão
Mais um que queria ser artista de televisão, ok então
Numa tarde no salão, enquanto jogava sudoku e depilava a virilha
ligou do celular da filha
para um amigo diretor picudo e lhe solicitou: receba o garoto. Quando é quem tem teste?
…enfia ele num teste!
O picudo respondeu:
agora não tem teste, mas uma festa com show do Jota Quest
…leva seu bonitinho, Dora! Confio no seu faro, conheço o rapaz lá na hora e se eu for com a cara dele, enfio num teste, eu enfio, enfio, é claro.

Nasceu pra ser uma estrela , era tudo que ele mais queria
mas o céu tava sempre nublado …
Estrela que ninguém via e quando o dia amanhecia,
seu tempo já tinha passado…

Na festa badalada, foi cantado pelo poderoso diretor
que lhe ofereceu trabalho e amor
lhe deu dicas de comportamento e recomendou :
Saia logo do armário!
Ele respondeu que não estava em nenhum armário, muito pelo contrário
Não tinha nada contra gays, só não era um
O coitado perdeu a vez.
Depois de tal afirmação, foi excluído, rejeitado, difamado

Nasceu pra ser uma estrela, era tudo que ele mais queria
mas o céu tava sempre nublado
Estrela que ninguém via e quando o dia amanhecia,
seu tempo já tinha passado

Passou a beber até cair
sacou que não teria uma chance
seu desejo distante de seu alcance
Na deprê engordou mais de 20 kg em um ano
seu maior erro foi nunca perceber o engano
jogou a toalha na vida
entregou os pontos e aos prantos/chorando pelos cantos

escreveu uma carta de despedida :
“Dora, querida, quero meu corpo cremado, para que ele seja espalhado por toda cidade cenográfica em Projacland.”

A OSB Jovem é um projeto da fundação OSB composta por jovens de até 25 anos. É um dos mais importantes investimentos nos jovens talentos musicais. Domingo passado, dia 21, no Theatro Municipal do Rio de Janeiro assisti o Concerto para Flauta e Orquestra em Sol Maior de Mozart K.313, com a orquestra OSB Jovem e a solista Roseli Ribeiro Moutinho.

Em 2006, eu, Roseli e Paula Martins, também flautista, apresentamos algumas vezes o Trio para Piano e duas Flautas Op.119 de Kuhlau. Naquela época conheci o talento fantástico e a rara musicalidade das duas.

Mozart nunca é fácil. É música nua e pura, desprovida de disfarces ou distrações. É onde o intérprete mais se expõe, uma verdadeira prova de fogo para qualquer musicista.

O que aconteceu no Municipal foi maravilhoso: Roseli mostrou toda sua palheta de timbres, toda a sua gama de dinâmicas, além de musicalidade e fraseado refinados. O acabamento foi perfeito, não havia nada de bruto, impulsivo ou impensado. Ao contrário, tudo foi cuidadosamente polido e lapidado, e o resultado foi assombroso. A cadência do primeiro movimento foi um resumo de tudo: ali Roseli mostrou que não é mais uma estudante, mas sim uma profissional competente. Todos puderam contemplar a dimensão do seu talento incomum.

A orquestra, sob a firme batuta de Marcos Arakaki, esteve a todo momento pronta para acompanhar perfeitamente a solista. A harmonia entre as duas foi essencial para o resultado sonoro obtido. Ficou evidente a concepção clássica de um concerto para solista e orquestra.

A comoção na platéia foi geral: havia os que riam de felicidade, havia os que choravam de emoção, mas uma coisa em especial me chamou a atenção: à minha frente, um senhor de meia idade não se conteve e disse a todos os presentes para que guardassem aquele momento na memória. Aquele momento, para mim, mais do que a realização que vem em reconhecimento a todo o esforço e a dedicação de Roseli, foi o passo inicial de uma carreira brilhante.

Lembrei-me da história de Nelson Freire quando após apresentar-se em um colégio, ainda criança, uma religiosa disse às alunas para guardarem bem aquele momento em suas memórias, pois aquele menino seria amplamente reconhecido no futuro.

Aproveitando o exemplo de Nelson Freire, digo, então, a todos os que foram ao concerto (tendo certeza de que minhas palavras carregam um vaticínio): guardem com carinho a lembrança daquele momento. Roseli é um talento raro, uma imensa promessa. Para ela, desejo sorte e reconhecimento.

O grande Lamartine Babo não perdia uma. Piadista de primeira, dá o clima de como eram recebidas as novidades estéticas popularizadas pelos modernistas. A histórica marcha A. B. Surdo, de 1930, demonstra o marco divisório entre duas concepções estéticas e permite que se veja que, longe da tranqüila aceitação dos modernistas, vicejou durante muito tempo a predileção pela palavra cheia, retórica, que dominava tanto a poesia romântica quanto a poesia parnasiana.

Em uma outra marcha – História do Brasil, de 1934 – o grande Babo vai mostrar a aclimatação do ideário modernista. A diferença entre as duas composições é patente. Se A. B. Surdo utiliza a técnica modernista para ironizá-la; História do Brasil cai no mais puro deboche e busca o gosto modernista da paródia. Se na primeira marcha a paródia se volta contra a estética que a inaugura como forma de escrever o país e sua tradição bacharelesca; na segunda, a paródia apresenta o foco de sua ironia na própria série literária, musical e histórica, como havia proposto Oswald, no seu exemplar livro de poesias Pau Brasil.

O non-sense é em um e outro caso a intenção. O non-sense se caracteriza pela negação do sentido usual e pela criação de outro, surpreendente, desconcertante. Tomem a estrofe que fecha a música: “Seu Dromedário é um poeta de juízo, é uma coisa louca, / pois só faz versos quando a lua vem saindo / lá no céu da boca, lá no céu da boca.”. A lua, figura romântica, de poetas e sonhadores, tem seu sentido deslocado. Ao sair do céu da boca, serve como deixa para a construção de uma imagem ironicamente surrealista, na qual a ausência de sentido aponta tanto para o absurdo modernista quanto para a falência da percepção romântica. Ademais, pode-se perceber, na negação que dela faz, o correlato da negação modernista. O fato de “isto não ser marcha nem aqui nem lá na China” significa duplamente que o futurismo não é poesia nem aqui nem lá na Itália. Mas curiosamente a intuição do compositor nega com uma marcha a marcha que tecnicamente é uma marcha que se nega como marcha, numa progressão de sentido infinita. Não seria também possível ler na negação que se faz da poesia futurista sua afirmação?

A falência romântica que vai se acentuar na hilária História do Brasil. Lamartine, com seu espírito galhofeiro, acerta a mão, em cheio. As referências ao romantismo tornam-se mais claras, mais destrutivas, já que o ícone romântico aqui se transforma em pura burla. As citações de José de Alencar e Carlos Gomes, colocando lado a lado a cultura letrada e a popular, permitem perceber a aproximação que o modernismo intenta em relação a uma língua brasileira.

Curioso de se notar é a inversão que fazem modernistas e compositores populares. Se o Modernismo busca popularizar a língua literária; a música popular, por seu turno, busca difundir uma competência lingüística que se aproxima do falar culto – não esqueça o leitor que tanto Cartola quanto Ismael vão falar quase sempre em segunda pessoa – este cruzamento babélico predominará em todo o período de instalação e estabilização do projeto de uma língua brasileira. Será na verdade o nosso padrão.

Se Oswald e Mário fizeram a ponte entre a língua culta e a popular, Lamartine e Noel Rosa refizeram a ponte em sentido contrário da língua popular à culta. Neste sentido à rejeição inicial de A.B. Surdo, de Lamartine e Noel, só poderia seguir-se a confluência da História do Brasil.

A fundação da língua brasileira nasceria, portanto, da busca invertida de dois processos, que se rejeitaram e se aproximaram, quando descobriram que as possibilidades de expressão do nacionalismo, da aura brasileira, só podia nascer ao se parodiar a própria língua e a si mesma.

HIM é um dos grupos de love metal mais famosos do mundo. Criado na Finlândia, existe desde 1991 e teve diversas encarnações, um amontoado de nomes e estilos. Depois de alguns anos gravando demos, EPs e fazendo covers de Depeche Mode, Type o’Negative e até Backstreet Boys, o HIM gravou seu primeiro álbum oficial.

Greatest Love Songs vol.666 saiu em 1997, com sete músicas inéditas e duas regravações: Don’t Fear de Reaper, cover do clássico do Blue Oyster Cult, e Wicked Games, a música mais conhecida de Chris Isaak. Foi o suficiente para chamar atenção do público finlandês, abrir algumas portas na Europa e até tocar nas rádios brasileiras.

Razorblade Romance veio em seguida com um som mais trabalhado e a clara intenção de aumentar a base de fãs. Os quatro singles escolhidos tinham sonoridades e públicos-alvo distintos. Poison girl, o de menor sucesso, é uma música introspectiva padrão. Right here in my arms é um rock clássico, com guitarras e vocais em equilíbrio e paradinha no refrão para a platéia acompanhar ao vivo. Em Join in me in death o destaque é o teclado, uma das marcas do HIM, acompanhando o ritmo mais calmo da bateria e a voz melódica do vocalista Ville Valo. Gone with the sin é uma balada que aposta nos tons graves de Ville, ganhando ao vivo um solo de guitarra e o coral do público.

Depois de uma parada para um trabalho paralelo sem repercussão, veio Deep shadows and Brilliant Highlights, o trabalho mais pop do HIM. Presença constante nas rádios da Finlândia e Alemanha (com presença esporádica na Itália, Suíça e Áustria), o álbum aposta mais em baladas e o lado rock é amenizado. Dos singles, In joy and sorrow e Heartache every moment são os que mais se aproximam da identidade musical construída até então.

Love Metal, o quarto cd, retoma as origens e é um dos marcos da carreira. The funeral of the hearts, uma das melhores faixas do HIM, conquistou novos mercados e chegou a 15a posição no Reino Unido, consequentemente abrindo portas nos Estados Unidos. Os singles The Sacrament e Buried alive by love repetiram o feito, com menor intensidade, apesar da boa qualidade.

Estratégia comum no mundo da música, quando novos mercados se abrem, velhas canções passam a ser desconhecidas, e nada melhor do que uma coletânea para fazer a reapresentação. And Love Said No: The Greatest Hits 1997-2004 trouxe duas inéditas e um punhado de hits. Além da faixa-título, há um excelente cover the Solitary Man, música de Neil Diamond regravada também por Johnny Cash.

A HimMania parecia se espalhar. Dark Light, o quinto de inéditas, foi lançado nos Estados Unidos, acompanhado de extensa turnê e dois singles de sucesso: Wings of a Butterfly e Killing Loneliness. Não é um trabalho superior a Love Metal e interrompe a ascensão musical que havia desde o primeiro cd, mas serviu para chamar atenção dos americanos e dar ao HIM o título de primeiro grupo finlandês a vender 500.000 cópias (disco de ouro) nos Estados Unidos.

No novo trabalho, Venus Doom (2007), o grupo decidiu que era hora de mudar. O cd tem influência direta do Metallica e do Black Sabbath. Ville Valo já admitiu que o grupo aproveitou tudo o que podia do estilo melódico e que não valia a pena se repetir, o que levou a um som mais pesado, focado totalmente nas guitarras e distante dos teclados. Não por acaso, é produzido por Tim Palmer, que já trabalhou com Ozzy, Pearl Jam, U2, The Cure e o próprio HIM.

Venus Doom tem apenas nove faixas. Passion’s Killing for está na trilha sonora de Transformers e The Kiss of a Dawn foi lançado como o primeiro single. Ainda é cedo para dizer se a mudança dará bons resultados, mas pelo menos o fantasma da estagnação parece ter ido embora.

O HIM possui vários clipes interessantes espalhados pela rede.

Ville Valo já trabalhou com um número incontável de pessoas. Vale procurar a regravação de Summer Wine (com Natalia Avelon, a música original é de 1967, com Nancy Sinatra) e a colaboração com o Apocalyptica em Bittersweet, que também conta com Lauri Ylönen, do Rasmus.

Terminou na última terça-feira, no Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) do Rio de Janeiro, o ciclo “Um Painel da Música de Câmara de Camargo Guarnieri”. O evento, em quatro apresentações, teve como principal iniciativa apresentar de forma abrangente, sem distribuir peças a esmo pelo programa, sem perder o sentido de cada forma musical trabalhada, explorada ou mesmo criada pelo grande mestre, parte da obra camerística do compositor.

No primeiro encontro, o ouvinte atento, o estudante alerta, o espectador curioso, teve a oportunidade deliciosa de ouvir canções com poemas de alguns grandes escritores brasileiros, entre eles Mário de Andrade, mentor intelectual de Camargo. Talvez, de todos os encontros, tenha sido o mais oportuno, tanto para os mais entusiasmados – paradoxalmente, haja visto as obras de maior envergadura nos outros três encontros seguintes – quanto para os mais desavisados da obra de Guarnieri. Não é fácil encontrar por aí gravações dessas peças. Elas nos fazem lembrar um outro Brasil, onde a conquista da brasilidade era algo no ar, onde a apuração erudita do regionalismo não era antropológica nem caipira.

O segundo encontro, com a dedicada violinista Tânia Camargo Guarnieri, filha do compositor, e Lais de Souza Brasil, pianista experiente. Foram exploradas as sonatas para violino e piano. A Sonata nº 2 (1933), a Sonata nº 3 (1950) e a  Sonata nº 4 (1956), esta última sem dúvida o ponto alto, altíssimo, do encontro. Complexa, moderna, original, uma obra grande, verdadeira, atual.

O encontro seguinte deu lugar aos falados Ponteios. São prelúdios, mas o modernista preferiu um nome mais brasileiro, não apenas por fachada, mas, segundo o próprio, “para expressar esse caráter brasileiro”. A pianista russa radicada no Brasil, Olga Kiun, foi mais que competente. O 5º caderno (os ponteios são divididos em cadernos), último a ser exibido, foi esclarecedor. O nº 49 e nº 50 deixaram todos com a melodia na cabeça após o espetáculo, para o desespero dos que, no âmbito da música de vanguarda, odeiam melodias.

O encerramento se deu na última terça-feira, perdoando-me pelo chavão, “com chave de ouro”. Uma apresentação camerística clássica: o quarteto. Composto por um violoncelo, dois violinos (cada um fazendo uma linha, há os primeiros e os segundos violinos mesmo em orquestras sinfônicas) e uma viola. Sobre a forma de quarteto, convidam-nos à imaginação algumas histórias, não necessariamente no sentido da ciência história. A mais conhecida é de que o grande compositor clássico Haydn, um dos precursores desta forma camerística, queria compor uma sinfonia (para uma orquestra), mas o local onde haveria o espetáculo musical não tinha mais do que meia dúzia de músicos, compor para um pequeno grupo foi, então, inevitável: cada instrumento do quarteto é como se fosse um naipe de uma orquestra. Não que a formatação fosse invenção dele, mas coferir-lhe caráter autoral, e logo de um Haydn, foi coisa nova. O quarteto em questão, o Quarteto Glazunov, composto por Yuriy Rakevich, Inna Meltser, Vladmir Klementiev e Watson Clis, não prestígio à nobilíssima áurea de tradição que o formato encerra. O eslavismo exarcebado do grupo, que salta aos olhos nos nomes dos integrantes, e no nome do próprio grupo – Glazunov –, é coisa que faria o Mozart Camargo notar. Entrentanto, aos olhos de um espectador cosmopolita de um CCBB do Rio de Janeiro, talvez não tenha significado nada. Atentos, focados (parar usar um termo da moda), o grupo Glazunov, do mais alto padrão técnico, de elevada concepção artística, apresentou deslumbrante música. Como todas as obras de Guarnieri, os quartetos têm harmonia complexa, ritmo ousado, proposta avançada. As dissonâncias sempre incomodam os mais fracos, os menos interessados e os desavisados. Mas, no caso de Guarnieri, a proposta desagrada mesmo a grandes ouvintes, há que se admitir. E aqui vai a opinião do escriba, que não vale mais do que a de qualquer leitor: gosto mais das obras da maturidade de Guarnieri. Evito expor as razões para não influenciar, e nesse contexto fica difícil escolher um quarteto, dos três apresentados, senão o nº 3 (1962). Os outros, o nº 1 (1932) e o nº 2 (1944) são obras, sem dúvida, de nível elevadíssimo. O nº 2 foi premiado nos EUA, em Washington, levando o primeiro prêmio do Concurso Internacional para Quartetos.

Parabéns aos organizadores, patrocinadores e produtores. Quando escrevi, num texto este ano, sobre o centenário de Nascimento Guarnieri (1907-2007), “Viva Camargo!”, não imaginava que a vivacidade seria tanta. O último movimento apresentado no painel, o do Quarteto nº 3, chama-se “vivo e ritmado”, assim seja, Guarnieri!

Sirimusa é uma montanha localizada no norte do Marrocos. Pode ser vista do outro extremo do Estreito de Gibraltar, o sul da Espanha. José Manuel León, guitarrista flamenco, inspirou-se nessa montanha para produzir seu álbum “Sirimusa”, que pode ser considerado o seu début.

Primeiro há de se esclarecer uma coisa: León não é um guitarrista, mas múltiplos. Dono de uma riqueza de timbres e dinâmicas formidável (eu confesso que não conhecia as plenas capacidades do instrumento), aliados a um senso de polifonia e uma inteligência musical incomuns, cativa o público com sua música vasta, abrangente e expressiva. León tem também uma técnica muito bem desenvolvida, o que lhe proporciona meios para exprimir suas idéias musicais – e que idéias.

Sobre a inteligência musical: é aquilo que diferencia um artista de um grande artista, e, em alguns casos, um grande artista de um gênio. É o conjunto de escolhas musicais que o artista faz, aliado à sua concepção, seu fraseado e agógica próprios, junto com o senso polifônico. Traduzindo: é a qualidade de transformar todos esses nomes em música da mais alta qualidade.

O(s) estilo(s) de León é autêntico e interessante. Não pode se negar que é um guitarrista flamenco. Mas cada peça, mesmo que composta na mesma linguagem (têm todas o mesmo traço – o traço de León) diz, claramente, uma coisa diferente. O cerne, sim, é flamenco. Mas há jazz ali no meio. E funk. E música árabe, há tanta coisa, há até Debussy!

León incorpora uma vasta gama de estilos a fim de formar o seu próprio. Posto dessa forma, tenho que ressaltar que o resultado é coerente, coeso e maravilhoso. Pela fusão de vários estilos, o artista ressalta seus gostos pessoais, transformando sua música na expressão plena de sua personalidade musical. Somos aquilo que gostamos, não é mesmo?

As improvisações (aquelas peças eram improvisações?) que ouvi essa noite me fascinaram profundamente. Acho que, nós, pianistas, pensamos que polifonia, cantabile, variação de timbres, dinâmica e agógica são exclusividade nossa. Não poderíamos estar mais enganados. Hoje eu vi que um violão não é um violão, mas vários. Ao mesmo tempo pode ser uma harpa delicada ou um berimbau ríspido, um instrumento angelical ou um instrumento percussivo e frenético.

A sensualidade da música flamenca e a dramaticidade são expressos por meio de harmonias complexas e intrincadas (acabo de entender a influência da música flamenca em Ravel), que, com a devida boa vontade do ouvinte, é capaz de transportar para longe, para as distantes terras de Marrocos e sua bela gente.

Enfim, minha concepção de música (e arte) é: expressão. O artista usou seus incomuns recursos para exprimir, projetar ao público, suas impressões a respeito de sua terra. Em dados momentos me vi numa cabana, no deserto, à luz de uma fogueira, ouvindo uma história ou conto narrada ou cantada por um trovador nômade, um menestrel marroquino. Em termos de comunicação e expressividade León é nota dez e mostrou ser um jovem artista que sabe muito bem o que quer, uma personalidade musical sólida e madura.

assista online:

• https://www.flamenco-world.com/tienda/files/song_4223.rm
• https://www.flamenco-world.com/tienda/files/song_4224.rm
• https://www.flamenco-world.com/tienda/files/song_4225.rm

Apesar de a Noruega ser mais conhecida pelos grupos de black metal, é impossível negar a força do pop no país. O cenário se renova constantemente, apresentando todo ano artistas que fogem dos padrões americanizados da música e seguem dispostos a conquistar seu lugar ao sol (pouco sol, é verdade).

Quem faz história por lá há mais de vinte anos é Morten Abel. Ícone do rockpop, Morten liderou por 8 anos o The September When, que atingiu um grande sucesso no país, com 6 álbuns lançados. Depois de encerrar oficialmente a trajetória do grupo com a coletânea Prestige de la Norvége 89-96, ele tentou a sorte formando o Peltz. Seu único cd, Coma, chegou às lojas junto com a coletânea do antigo grupo e não conseguiu emplacar nenhum sucesso.

Para exorcizar os fantasmas, Morten iniciou a carreira solo no ano seguinte (97) e desde então não saiu do topo. Do primeiro cd, Snowboy, ele lançou Lydia e All or Nothing, dois soft rocks com violão acústico e instrumentos de sopro. Correndo por fora, veio Helicopter, com batida funkeada, elementos eletrônicos e um tom totalmente depressivo. “I came from the city made of sulfer / My breath smells of vinegar / No respect, I forgot the gallipot”, diz a letra.

No cd seguinte, Here We Go Then, You and I, Morten Abel mostrou que estava disposto a ampliar fronteiras artísticas. O carro-chefe foi Tulipz, totalmente dançante, sucesso imediato. De novo com o rock, Hard to stay awake também virou um hit de arena com refrão sing-along, por falar de madrugadas viradas com amigos em festas. O cd se transformou num dos melhores momentos da carreira.

A fórmula soft rock e música dançante se repetiu em I’ll come back and love you forever, mas sem a mesma eficiência. O que antes era uma mistura dessa vez partiu o cd em dois. O ponto alto ficou por conta de Welcome Home, que não foi lançada como single oficial.

Virada de século e de sintetizadores superada, Being Everything, Knowing Nothing restaurou o padrão de qualidade. As músicas Trendsetter e The Birmingham Ho colocaram Morten Abel de novo no topo, figurando entre os maiores sucessos do cantor. Não é nenhuma surpresa dizer que as duas possuem estilos completamente diferentes. A primeira, pura poesia, fala das mudanças inevitáveis da vida, construída sobre melodia delicada. “What will you say if the lights went out / And all hearts stopped beating your way / What will you say if your best friend / Wouldn’t have anything to do with you anymore”. A segunda conta a história de um cantor e uma garota que ele conhece no táxi, e que lá pelas tantas ele descobre se chamar Fred, com direito a voz grossa e tudo mais.

Quatro álbuns lançados e um punhado de hits no currículo, Morten Abel lançou sua primeira coletânea como artista solo. Ela mistura os singles, grandes momentos, lados b e versões ao vivo, com destaque para Gravedigging e a inédita Our Love is Deep, bem recebida pelas rádios.

Depois de um intervalo de dois anos, Morten Abel voltou no final de 2006 com o cd Some of us Will Make it. A música Big Brother entrou para a lista de hits instantâneos, e como não sai da lista das mais tocadas acabou ofuscando a segunda música de trabalho, Stars, e atrasando os outros singles.

Atualmente, Morten está em turnê pela Noruega, se aproximando de 50 apresentações.

Sua página apresenta um bom apanhado de vídeos do cantor, espalhados pelo youtube, myspace e outros sites mais.

Aconteceu na terça-feira passada (4/7) no Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) do Rio de Janeiro o primeiro recital do ciclo Um painel da Música de Camargo Guarnieri.  Num total de quatro recitais e oito sessões, o evento relembra aquilo que já foi uma tradição em nossa cidade: os pequenos recitais e operetas da hora do almoço.

Apresentando-se às 12h30, e para o público vespertino às 18h30, com o mesmo programa, a proposta do painel é mostrar, ao longo de quatro apresentações, diferentes espectros da produção camerística de Guarnieri: das chamadas pecinhas às obras de maior envergadura, como as sonatas e os quartetos, passando inevitavelmente pelos Ponteios. Apresentaram-se neste primeiro encontro do Painel Carlos Eduardo Vieira, barítono, muito culto da obra que se propunha apresentar, Márcia Guimarães, soprano, delicadíssima, e o competente Miroslav Georgiev, piano. No programa, canções, cantigas, e excertos de operetas e outras obras para canto.

Cabe destacar, de início, que Miroslav é pianista búlgaro e mesmo com um currículo que inclui um mestrado nos E. U. A. não seria de se esperar que fosse o mais brasileiro dos pianos. Mas foi. Muito competente nos contrapontos e arranjos sofisticados de Guarnieri, foi também gracioso, teve molejo, quando a interpretação assim o guiou, sem cair em confusões culturais rítmicas, sem entrar num pagode ou numa marcha rancho a perder de vista, fenômeno compreensivelmente comum a alguns intérpretes estrangeiros (e até brasileiros, é bom que se diga), e algo notadamente fora daquilo que o trabalho exige. Carlos Eduardo Vieira foi o mestre de cerimônias ideal. Sem sugerir ou engessar interpretações, falou à platéia, ora mencionando o contexto histórico, ora dizendo alguma curiosidade. Colocou fortemente sua respeitável opinião em sua fala, mas sempre deixando a valiosíssima brecha para que o espectador exercesse o seu papel ativo. A simpatia com o público sempre amacia o ouvido e favorece a dedicação prévia do ouvinte. Vieira foi também um barítono profundo, com interpretações apegadas apesar da leveza de algumas canções, mas ficou tudo de muito bom gosto, e essa é a frase do encontro: bom gosto. Márcia Guimarães é uma soprano experiente, e não precisa que se tenha lido seu currículo para se dar conta disto. Transborda tranqüilidade em seu desempenho, mesmo para um repertório menos vultuoso, pode-se observar claramente seu domínio expressivo, mesmo ao leigo em canto, executando passagens de piano para forte que davam gosto de ouvir. Destacaram-se no programa Dengues da Mulata Desinteressada, com texto de Ribeira Couto, realmente cativante, Ronco do Eco e do Desencorajado de 1949, com texto do mentor intelectual de Camargo, Mário de Andrade. Chamou a atenção não apenas pela interpretação, bonita, mas pela belíssima composição que, confesso, foi minha primeira audição (bem como de algumas outras canções também fora minha primeira audição – atire a primeira pedra quem possui todas aquelas canções de Guarnieri na discoteca – triste realidade). A sinistra e surpreendente Seca, sob poema de Sylvia de Campos, de 1958, retrata as mazelas do povo nordestino, sem deixar de reconhecer sua força imanente num final maestoso, curiosamente heróico – a despeito do que pensam os modernistas sobre este romântico conceito. Fruto de uma redução de orquestra, o arranjo é de arregalar os olhos.Mozart Camargo Guarnieri é um dos maiores compositores do Brasil, de todos os tempos, ou como diriam os mais entusiasmados, o segundo maior nome de toda a nossa música – atrás apenas de Villa-Lobos, sendo que para alguns chega mesmo a superar o mestre –, sendo Camargo, para estes, um dos maiores de todo continente americano. A Organização dos Estados Americanos, chegou a conceder-lhe o prêmio de “Maior Compositor das Três Américas”. Exagero monumental, de aficcionados? Nem tanto, talvez. De fato, o paulista Guarnieri, como poucos músicos, como raros artistas, conseguiu condensar em sua produção a essência da Semana de 22. Mais que isso, foi capaz de fazê-lo em sua própria biografia, gerando um uníssono agradável e paradoxalmente dissonante, vivendo ele próprio no coração do modernismo, inchado de ideais, mas completo do nacionalismo autêntico, consciente e erudito, que, comparado às acepções mais correntes e atuais do conceito, para não mencionar aspectos políticos, faz-nos rir, se antes não nos apavora; é trágico, sinistro, cômico. Facetas, aliás, de boa parte da obra de Guarnieri que naquele instante, jamais poderiam saber, aludiam profeticamente à falência cultural, tão rápida, dos maiores brasileiros do século XX, todos reunidos em uma, no máximo duas gerações, todos atuantes, e cujo imprescindível legado não demorou mais que isso para ser lançado aos fundos de baú. Não vamos propor, mais uma vez, resgatar o Camargo, bem como qualquer outro. Não me recordo que esteja seqüestrado o pobre Camargo ou algo que mereça o tal resgate – palavrinha já muito desgastada em meios culturais. Proponho algo simples, direto, e sem rodeios: vamos ouvir.

A oportunidade, para os cariocas, bate à porta com insistência, serão mais três encontros. Aos estudantes de música, a presença é no mínimo obrigatória, goste-se ou não de Guarnieri. A oportunidade, infelizmente, é rara. Aos outros, fortes recomendações de Camargo.

1. You’re a singer who moves easily between dance and rock, using something from folk. You feel at ease with funny lyrics and at the same time create poetry in the form of music. Is that the Morten Abel style?

Ive always had interest in many forms of music, jazz and classical, but since Im not an schooled musician I ended up doing what I do, and that gives me the freedom of have some fun, make noice and be a part of production and arrangements in the studio, wich I enjoy very much. One shall be careful to use humor in contemporary pop music. Ive done it (The Birmingham Ho), but some people get put off by it.

2. What do you think about this interconnected world that enables interviews like this one to be conducted? You have clips on your site and youtube… Is the world really getting smaller?

It’s great, get friends from other parts of the world. And I prefer doing interviews in writing.

3. Is there some heritage from your time at The September When in your solo career?

Yes, I think so. I tried to make my solo albums sound very different from TSW, and I think they do. But Im a melody man, and I think a strong melody links the two projects.

4. You’re now on a tour to show your new album. The public here in Brazil is known for its warmth. (and that comes from before the popularization of global warming!) The audience screams, jumps, sings along. What about in Norway? How is that vibe on the stage?

Well, I think the audience up here is a little different, but they like to drink, and the later it gets the more jumping up and down….

5a. Are there European countries more open to music from other countries?

I think people are the same everywhere. If they hear something they like, something original and true, they will listen to it no matter where it comes from. The problem is to let people know your material, but again, Youtube and the sorts has loosened that up a bit.

5b. Is there some kind of captive audience for music from Norway?

I know the italians buys a lot of norwegian music…

6. Sorry for this question, but did you really catch malaria in the Amazon? Those must have been tough times. I’m already down when I catch a cold.

I did, but I was only down for couple of days. Im fine now. Thanks, Eric

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1. Você é um cantor que se move fácil entre as batidas dançantes e o rock, usando um pouco de folk. Você se sente confortável com letras divertidas e ao mesmo tempo cria poesia em forma de música. Esse é o estilo Morten Abel?

Eu sempre tive interesse em muitas formas de música, fosse clássica ou jazz, mas como eu não sou músico por formação eu acabei fazendo esse tipo de trabalho, o que me dá a liberdade de me divertir, fazer barulho e participar da produção e dos arranjos no estúdio, que é algo que eu gosto muito. Deve-se tomar cuidado ao usar humor na música pop contemporânea. É algo que já fiz (The Birmingham Ho), mas isso incomodou algumas pessoas.

2. O que você acha desse mundo interconectado que permite entrevistas como essa? Você tem clipes em seu site, youtube… O mundo está mesmo ficando pequeno?

Isso é ótimo, fazer amigos de outras partes do mundo. E eu prefiro responder entrevistas por escrito.

3. Sua carreira solo herdou algo dos tempos no The September When?

Sim, eu acho que sim. Eu tentei fazer meus álbuns solo soarem muito diferentes do TSW, e acho que consegui. Mas eu sou um homem de melodia, e acho que uma melodia forte conecta os dois projetos.

4. Você está em turnê agora. O público aqui no Brasil é conhecido pela animação. As pessoas gritam, pulam, cantam junto. E na Noruega? Como é a energia no show?

Bem, eu acho que o público aqui é um pouco diferente, mas eles gostam de beber… e quanto mais tarde fica mais eles pulam para cima e para baixo.

5. Os países europeus são mais abertos a músicas de outros países?

Eu acho que as pessoas são as mesmas em qualquer lugar. Se elas ouvem algo de que elas gostam, algo verdadeiro e original, então elas vão escutar, não importa da onde venha a música. O problema é fazer o material chegar até as pessoas. Mas, novamente, Youtube e similares facilitaram isso um pouco.

Existe um público mais aberto à música da Noruega?

Eu sei que os italianos compram bastante música norueguesa.

6. Desculpe a pergunta, mas você pegou mesmo malária na Amazônia? Devem ter sido dias difíceis. Eu já fico mal com um resfriado.

Sim, mas eu só fiquei mal alguns dias. Estou bem agora.